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♫ “Setting a poem to music is my way to embody it”. An interview to the artist and musician Josephine Foster / “Mettere una poesia in musica è il mio modo di incarnarla”. Un’intervista all’artista e musicista Josephine Foster

Con il post di oggi prende avvio la rubrica Parallax – interviste a/su artiste. With this post we launch the column Parallax – interviews to/on women artists.

[italiano sotto]

‘Remarkable, ghostly music’ The Guardian

Josephine Foster is a musician and artist from Colorado. She is known to breathe new life into archaic forms, embodying the cultural archaeology of Harry Smith’s old weird America and has lent her enigmatic voice and interpretive wit to nearly two decades of recordings. She is active since 2000, releasing 18 albums – the last one, No Harm Done (Fire Records; on her website – listen below).
The voice becomes the main instrument. Her distinctive vocals accommodate a vast range of styles and subjects, from the spiritual to the psychedelic realms or inspired by poetry or Spanish folk songs, she’s a unique, refreshingly underground and cutting edge. On 27th August 2020, Josephine Foster has surprised the public with a new released album. No Harm Done, out now on Fire Records, is described as a spacious and enveloping love letter of an album.
We had the great pleasure to interview Josephine Foster on Le Ortique.


Alessandra & Viviana: Does being a woman in the male-dominant discourse of the music press affect your work? And what do you think of the music industry with respect to being a woman musician? What role play women artists in the music industry?

Josephine Foster: All power structures, including the music industry, can use more integration and participation of women, aesthetically and morally. For myself, my songs have been my principle focus and work, with my faith in their intrinsic value to survive beyond all the ephemeral framings of music business. In hindsight though, I see that the gateholders have principally been men, and they still guard many economic thresholds. So while my inward discipline is so important, as commerce can be distracting and discouraging to the incubation of art, I am trying to increase my awareness. It’s no secret the largely male press can be dismissive to certain qualities, outside of fashion, or of their visual radar. Many of my musical collaborators are very respectful and encouraging men, and so I’ve been fortunate and able to sustain a level of innocence. I’m trying to increase my awareness of the playing field, it will take steady work to dissolve imbalances. The largest perspective we can take is ecological right now in fact.

Alessandra & Viviana: How important alternative music publications are in representing female musicians? Could you tell us your experience with respect to this?

Josephine Foster: A music publication could be built as an aesthetic unit to last, perhaps like the old dada magazines. Something that invites new creation, is not only a mirror but is the substance, and is a piece of art itself. Something like that would draw my attention. As it is, I give limited attention to magazines, they are mostly overstuffed promotion, slightly pornographic and usually plastic to see and touch. I felt initially betrayed by the press, perhaps because I grew up naive and oblivious to it and didn’t know how to surf it. I experienced music through the library with its treasure trove of scores and books and LPs, through my mentors, not by buying magazines. What dawned on me releasing music is that we can be exploited in word and image, without respect nor insight, with cloudy intentions, for cheap effect. Somehow my music has enough popular language to include me at times in independent music press, I’m grateful for people spreading the news, but there were boundaries to discern, I’m still learning to participate just enough to say essentially, here is my offering and not be taken for a ride. I like to meet fellow musicians in reality, on the road, in personal correspondence, I’m still unsure if its been positive for me at all to participate in the press.

Alessandra & Viviana: Your records often feature poems set to music. We think of My Dove, My Beautiful One of James Joyce, Die blaue Blume by Joseph von Eichendorff, Blue Roses by Rudyard Kipling, Emily Dickinson’s poems, or Schubert Lieder. Thinking of your work on Emily Dickinson’s poems, you have transformed written words in tangible objects. Is the process of singing poems any different? And how connected are poems to your own lyrical work?

Josephine Foster: I was very taken with the idea of Lieder when it was introduced to me when I was around 15 years old. They seemed like sacred miniatures, very generous meeting of minds, a submission of one to the other. An erotic formula. Setting a poem to music is my way to embody it. It vibrates viscerally then echoes in the memory chamber, or like drinking wine, singing that intoxicating language of Dickinson and others. The words enter the cells and are found to be true, laid upon the melodic pattern to assist recollection. Like psalms, a fundamental essential beauty, that feels good to repeat and know deeply. If the melody is false, it feels like an ill fitted garment. I noticed some 20th century American composers struck out often, it was sort of a torture to even repeat their cerebral poetry settings. I liked a melody to have the strength to be sung a cappella, or just with a guitar. With my re-arrangements of those particular German Lieder on A Wolf in Sheep’s Clothing, in collaboration with Brian Goodman, I was determined to reduce and liberate the song from heavily armored classical vocal style. It was a reclamation to bring them down to earth, then send them back up in a new rocket.
Part of my craft has been working towards the higher goal that the lyrics stand alone as poems. Trying to be more exacting with their presentation in the printing, such as for my new record No Harm Done. For the reissue of my 2008 album This Coming Gladness, my friend (fiction writer Amina Cain) helped me edit the lyrics. Overall I am indebted to folk songs and certain lyrical poets for their inspiration and lessons of concision, structural strength.

Alessandra & Viviana: Being a woman playing certain kind of music (i.e. folk, alternative rock or electronic) is by some automatically assumed to be a declaration of activist intentions. What do you think?

Josephine Foster: It is not on my mind directly, it is not how I perceive things. We are awash in women (and men) sitting down playing guitars, so it almost means nothing. It can mean anything of course, and everything; everyone’s intention is different. Some want to seduce, some want to proclaim. There is always a place for activism in art, it is most genuine when it is highly personal. I curated a compilation album So much Fire to roast human Flesh. It arose from my wish to raise funds for pacifist soldiers, at a time when my brother was an active duty soldier in Iraq, so it felt necessary to me to take an action. It would have exhausted me to make my own record and compose on that subject at length, it’s not my nature. In general, those most close to the epicenter of the volcano of suffering can most righteously speak at a given moment and deserve all the momentum and support. It is more frequently our moment to listen than speak, although misfortune and suffering touches us all, and some get troubled all their lives. Anyone who assumes a woman strumming a guitar signifies activism is merely left with their assumptions. A true musical activist to me was singer-songwriter Victor Jara, he became a martyr as the Chilean dictators had him tortured for the power of his voice, they broke his hands and murdered him. He made a sublime contribution, but it carried a formidable risk.

Alessandra & Viviana: Do you have any forgotten woman writer/poet or female artist important in your music experience? How does she ‘enter’ in your work?

Josephine Foster: Edna St. Vincent Millay inspired me as a girl. She is hardly forgotten, but she has become unfashionable and dated I’ve no doubt. She inspired me by her androgynous voice, still feminine at times, but strong and universal. She reminded me of Blake in some of her very compact poems, and her sonnets of Shakespeare. Her forms and themes were elemental and interested me, I set some of her poems to music on the piano, my first ‘Lieder’. A few years ago I finally completed a setting to her Ballad of the Harpweaver. That was very satisfying, and even more to perform it from memory. I would love for her to hear it.

Josephine Foster, No Harm Done (Fire Records, 2020)


“Vibra visceralmente poi riecheggia nella stanza della memoria, cantare il linguaggio inebriante di Dickinson e altri poeti è un po’ come bere vino.” Josephine Foster è una cantautrice e artista statunitense originaria del Colorado. La sua “straordinaria musica spettrale”, come è stata definita sul The Guardian, è nota per la sua capacità di dare nuova vita a forme musicali arcaiche, incarnando quella archeologia culturale della vecchia bizzarra America di Harry Smith. Josephine Foster ha prestato la sua voce enigmatica e il suo spirito interpretativo a quasi due decenni di registrazioni. È attiva dal 2000 e, sino a oggi, ha pubblicato 18 album; l’ultimo, No Harm Done (Fire Records; eccolo sul suo sito).
La voce è lo strumento principale; un timbro distintivo che si adatta a una vasta gamma di stili e soggetti, dal regno dello spirituale a quello psichedelico, ispirato alla poesia o alla canzone folk spagnola, rielaborando e trasformandosi in un unico, nuovo, terreno dell’avanguardia. Il 27 agosto 2020, Josephine Foster ha sorpreso il pubblico con il nuovo album No Harm Done, Fire Records. L’album è stato descritto come una “spaziosa e avvolgente lettera d’amore”.
Abbiamo avuto il grande piacere di intervistare Josephine Foster su Le Ortique.


Alessandra & Viviana: Cosa comporta essere una donna nel contesto predominantemente maschile della stampa musicale? Quale influenza ha sul tuo lavoro? Che ruolo giocano le donne artiste nell’industria musicale?

Josephine Foster: Tutte le strutture di potere, compresa l’industria musicale, possono utilizzare una maggiore integrazione e partecipazione delle donne, esteticamente e moralmente. Le canzoni hanno sempre rappresentato il mio obiettivo principale, nonché il mio lavoro; ho avuto fede nel loro valore intrinseco, capace di sopravvivere oltre l’inquadratura effimera del mondo degli affari e della musica. Col senno di poi, però, mi rendo conto che i garanti sono stati principalmente uomini, i quali continuano a controllare molti ambiti. Quindi, sebbene la mia disciplina interiore resti fondamentale, perché il commercio può distrarre e scoraggiare l’incubazione dell’arte, sto cercando di far crescere la mia consapevolezza. Non è un segreto che la stampa, in gran parte maschile, sia sprezzante verso certe qualità, tutte quelle che sono al di fuori della moda o fuori dal suo radar visivo. Molti dei miei collaboratori sono uomini attenti e di sostegno, e in questo sono stata fortunata e mi sono potuta permettere un certo grado di innocenza. Sto cercando di rendermi più consapevole di ciò che è in gioco; dissolvere le disparità richiederà un lavoro assiduo.
In realtà la prospettiva più ampia che possiamo assumere in questo momento è ecologica.

Alessandra & Viviana: Quanto sono importanti le pubblicazioni di musica alternativa nel rappresentare le musiciste? Ci racconti la tua esperienza?

Josephine Foster: Una pubblicazione musicale dovrebbe essere costruita come un’unità estetica che duri nel tempo, forse come le vecchie riviste Dada. Qualcosa che inviti a una nuova creazione, non è solo uno specchio ma sostanza, ed è essa stessa un’opera d’arte. Qualcosa del genere potrebbe attrarre la mia attenzione. Di per sé, do un’attenzione limitata alle riviste; per lo più sono sovraccariche di promozioni, leggermente pornografiche e solitamente plastiche da vedere e da toccare. In un primo momento mi sono sentita tradita dalla stampa, forse perché sono cresciuta ignara e ingenua di ciò che fosse realmente e non ho saputo affrontarla. Ho sperimentato la musica grazie alla biblioteca, con i suoi tesori di spartiti, libri e LP, grazie ai miei mentori, non acquistando riviste. Producendo musica mi sono resa conto che si può essere sfruttati sia con le parole che con le immagini, senza alcun rispetto né comprensione, piuttosto mirando a obiettivi torbidi, e con un effetto scadente. In qualche modo la mia musica ha un linguaggio abbastanza popolare tanto da farmi includere, a volte, nella stampa musicale indipendente. Sono grata alle persone che diffondono le notizie, ma ci sono dei limiti che devono essere riconosciuti; sto ancora imparando a intervenire solo quel tanto che basta per dire essenzialmente “questa è l’offerta” e non essere imbrogliata. Mi piace incontrare di persona i colleghi musicisti, per strada, nella corrispondenza personale. Non sono ancora sicura se per me essere presente sulla stampa sia stato positivo.

Alessandra & Viviana: Spesso i tuoi dischi includono delle poesie in musica. Pensiamo ad esempio a My Dove, My Beautiful One di James Joyce, Die blaue Blume di Joseph von Eichendorff, Blue Roses di Rudyard Kipling, le poesie di Emily Dickinson o i Lieder di Schubert. Pensiamo al tuo lavoro sulle poesie di Emily Dickinson, in cui hai trasformato le parole scritte in oggetti tangibili. Quando canti poesie il processo è diverso? E quanto sono collegate le poesie al tuo lavoro lirico?

Josephine Foster: Sono rimasta molto colpita dall’idea dei Lieder quando li ho scoperti attorno ai 15 anni. Sembravano miniature sacre, un incontro molto generoso fra menti, l’una sottomessa all’altra. Una formula erotica. Trasformare una poesia in musica è il mio modo di incarnarla. Vibra visceralmente poi riecheggia nella stanza della memoria; cantare il linguaggio inebriante di Dickinson e altri poeti è un po’ come bere vino. Le parole entrano nelle cellule e si rivelano vere, sono poste sullo schema melodico per stimolare il ricordo. Come i salmi, una bellezza essenziale e fondamentale, che è bello ripetere e conoscere nel profondo. Ma se la melodia è falsa, è come se l’indumento non calzasse.
Ho notato che alcuni compositori americani del secolo scorso spesso non riuscivano in questo e per me era quasi una tortura ripetere i loro arrangiamenti cervellotici. Volevo che una melodia avesse la forza per essere cantata a cappella, o semplicemente con una chitarra. Nei miei arrangiamenti di quei Lieder marcatamente tedeschi, in A Wolf in Sheep’s Clothing – in collaborazione con Brian Goodman –, ero determinata a liberare le canzoni dalla pesante armatura dello stile vocale classico, o almeno a ridurla. È stato rigenerante riportarle a terra e poi farle ripartire su un razzo.
Parte del mio lavoro è stato cercare di rendere i testi solidi come poesie. E cercare di essere più esigenti nella loro versione a stampa, come per il mio nuovo disco No Harm Done. Per la ripubblicazione del mio album del 2008, This Coming Gladness, la mia amica (la scrittrice di narrativa Amina Cain) mi ha aiutato a rivederne i testi. Nel complesso, mi sento in debito con le canzoni popolari e con alcuni poeti lirici, sia per avermi ispirato sia per le lezioni che mi hanno dato di concisione e forza strutturale.

Alessandra & Viviana: Essere una donna che suona un certo tipo di musica (ad esempio folk, rock alternativo o elettronica) viene vista da alcuni come una dichiarazione di attivismo. Cosa ne pensi?

Josephine Foster: Non è un collegamento diretto nella mia mente, non è così che vedo le cose. Siamo inondati di donne (e uomini) seduti a suonare la chitarra, quindi non significa quasi niente. Potrebbe significare qualsiasi cosa, naturalmente, o nulla; l’intenzione di ognuno è diversa. Alcuni vogliono sedurre, altri vogliono fare proclami. C’è sempre un posto per l’attivismo nell’arte, e credo sia più genuino quando è altamente personale. Ho curato una compilation So much Fire to roast human Flesh: è nata dal mio desiderio di raccogliere fondi per i soldati pacifisti, in un momento in cui mio fratello era un soldato in servizio attivo in Iraq, mi è sembrato necessario agire. Ma se io avessi dovuto farne un disco mi avrebbe consumata, così come comporre a lungo su quell’argomento non è nella mia natura. In generale, coloro che sono più vicini all’“epicentro del vulcano della sofferenza” hanno più diritto a parlare in un dato momento e meritano tutto lo slancio e il supporto. Nella maggior parte dei casi è il nostro momento di ascoltare piuttosto che quello di parlare, anche se la sfortuna e la sofferenza toccano tutti, e alcuni ne risentono per tutta la vita. Chiunque ritenga che una donna che strimpella una chitarra equivalga all’attivismo si crogiola nelle proprie teorie. Un vero attivista musicale per me è stato il cantautore Victor Jara, che diventò un martire perché i dittatori cileni lo fecero torturare per il potere che aveva la sua voce, gli spezzarono le dita e lo assassinarono. Diede un contributo sublime, ma pagò un enorme tributo.

Alessandra & Viviana: C’è una scrittrice o artista dimenticata che è stata importante nella tua esperienza musicale? Come è entrata, se è entrata, nel tuo lavoro?

Josephine Foster: Da ragazza sono stata ispirata da Edna St. Vincent Millay*. Non è proprio un’artista dimenticata, ma è diventata fuori moda e datata, su questo non ci sono dubbi. Mi ha ispirato per la sua voce androgina, e insieme femminile in qualche modo, forte e universale. Mi ha ricordato Blake, in alcune delle sue poesie, e Shakespeare nei suoi sonetti. Le sue forme e i suoi temi riguardavano gli elementi fondamentali e mi interessavano; ho musicato alcune delle sue poesie al pianoforte, i miei primi Lieder. Qualche anno fa ho, finalmente, completato un arrangiamento per la sua Ballad of the Harpweaver. Mi ha dato molta soddisfazione, ancora di più eseguirla a memoria. Mi piacerebbe se lei lo potesse sentire.

* Edna St.Vincent Millay (1892-1950) è stata una poeta statunitense; terza donna a ottenere il Premio Pulitzer per la poesia (nel 1923), è ricordata per il suo attivismo femminista. Usava lo pseudonimo di Nancy Boyd per la prosa.

© Josephine Foster / Viviana Fiorentino, Alessandra Trevisan, Veronica Chiossi e Alice Girotto


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